EL DESCANSO DEL PÚGIL
La escultura representa a un púgil sentado sobre una roca justo después de un combate, y que gira violentamente la cabeza. Lleva unos guantes formados por unas gruesas tiras de cuero  que rodean los nudillos y dejan libres los dedos; la parte del puño está reforzada. En el cuerpo no hay señales de ninguna herida, pero la cara está llena de marcas de los golpes: tiene un corte en la oreja, la nariz rota y toda la cara llena de cicatrices.
El púgil es una pieza de bronce formada por ocho fragmentos soldados, y de un gran refinamiento técnico en la búsqueda de la policromía. Los ojos, que tendrían que estar incrustados, han desaparecido, y hay numerosas pequeñas incrustaciones de cobre rojo en los dedos y en la cabeza para simular la sangre de las heridas. El movimiento de la cabeza hace volar las gotas, y por eso también hay incrustaciones sobre el antebrazo y el muslo derecho.
Una limpieza reciente ha puesto de manifiesto que hay zonas desgastadas en la punta del pie derecho y en los guantes y dedos de la mano izquierda, acariciadas en señal de la veneración y deferencia de que ha sido objeto la estatua a lo largo de los siglos.
AUTOR: Desconocido
SITUACIÓN: Museo nacional de Roma

ATENEA PARTHENOS
Atenea Parthenos  era el nombre de una imponente escultura de marfil y oro de la diosa griega Atenea realizada por Fidias y erigida en el Partenón de Atenas. Un cierto número de otras esculturas se inspiraron en la original. La obra tuvo un gran impacto entre sus contemporáneos, hasta el punto de que dio origen a una tradición de estatuas crisoelefantinas, en la cual encontramos comprometido de nuevo a Fidias, con la estatua de Zeus en Olimpia, y a otros escultores, en los santuarios de los siglos V y IV a. C.

La cabeza de Atenea aparece ligeramente inclinada hacia adelante. Está de pie, con su mano izquierda posada sobre un escudo vertical. Su rodilla izquierda está ligeramente doblada, su peso desplazado levemente hacia su pierna derecha. Su quitón está ajustado en la cintura por un par de serpientes, cuyas colas se entrelazan en la espalda. Los mechones del pelo caen sobre el peto de la diosa.

Atenea Partenos, réplica moderna, obra de Alan LeQuire, erigida en el interior de la reproducción del Partenón de Nashville, Tennessee. Su trabajo fue realizado sobre las descripciones y copias existentes de la original. Esta versión moderna tardó ocho años en realizarse, hasta 1990, siendo pintada y decorada con más de 4 kilos de pan de oro en 2002. La estatua añade una dimensión adicional de realismo a la réplica al reconstruir también la naos del Partenón, dando la impresión a los visitantes de que están dentro del antiguo lugar de culto ateniense.
La apariencia física de la estatua de Atenea Partenos es controvertida ya que se ha reconstruido a partir de descripciones literarias, de Plinio, Plutarco y Pausanias, y de pequeñas representaciones de la misma en copias no muy afortunadas, como la Atenea Varvakeion, y monedas. La calidad artística, que mereció tantos elogios a Fidias, es irrecuperable.

DISCÓBOLO

El Discóbolo, creado por el artista griego Mirón en el siglo V A.C., es una de las obras más admiradas de la Antigüedad. Era un bronce hecho durante el período clásico alto del arte griego y mide aproximadamente 1,60 metros de altura.Aunque el original ya no existe, se han conservado célebres reproducciones romanas en mármol,que podemos reconocer debido a que tiene un apoyo.

Mirón realizó la escultura en el año 460 A.C. para ser colocada en una calle de Atenas. En este sentido, hay que tener en cuenta el contexto histórico en el cual fue concebida la obra, época de gran auge en Grecia y en pleno dominio sobre los persas que intentaban invadir estas tierras sin lograr el éxito.En Atenas se gastaba mucho dinero en arte para decorar cualquier templo y todos los edificios de la Acrópolis, por lo que era un momento extraordinario para que los artistas se motiven y se inspiren en sus tareas.

El término griego Discóbolo significa lanzador de disco, uno de los deportes más tradicionales de la antigua Grecia, siendo la obra la representación de un momento del movimiento de un atleta en esa disciplina.El lanzamiento de disco era el primer elemento del pentatlón en el que un atleta lanzaba un pesado disco, llamado discusy, si bien los atletas de esta disciplina en cierto modo eran considerados inferiores a los atletas que se destacaban en un deporte específico, su apariencia física era objeto de suma admiración. Esto se debe a que no tenían ningún grupo de músculos desarrollado en exceso, lo que realzaba en la armonía de sus proporciones.Aquí Mirón  captura el estado de inmovilidad momentánea del atleta .El lanzador de disco muestra una expresión relajada. Para el observador moderno, la cara del atleta parece carente de emoción, y es que para los escultores antiguos era mucho más importante representar el cuerpo como arquetipo del ideal atlético que centrarse en las expresiones faciales.

SITUACIÓN: Museo Británico
AUTOR:Miron
ESTILO:Clásico

ORFEO Y EURÍDICE

Pedro Pablo Rubens y taller, 1636-38 Orfeo y Eurídice, Museo del Prado, Madrid.
Este cuadro es de estilo barroco
Nuestro cuadro de hoy es uno de los lienzos que pinto Rubens pintor de estilo barroco, de técnica perfecta adaptada a su enorme inspiración al morir, Orfeo desciende al inframundo y se reúne, por fin con Eurídice su amada  para siempre. Camina con cara aterrada por los senderos del inframundo mientras Hades y su mujer Perséfone les observan alejándose. Se trata de Orfeo que intenta recuperar a su amada Eurídice del infierno. Atrás quedó su amorío con Apolo quien le regaló la lira fabricada en la concha de una tortuga como prueba de sus sentimientos. Orfeo enamorado de Eurídice paseaba con ella, cantaba para ella, la miraba arrebolado. Hasta que una serpiente mordió el pie de la amada. Orfeo con su talento musical como única arma fue a rogar a hades para que le dejara recuperar a su amada.Hades, con Perséfone al lado, la doncella que arrancara de los brazos de su madre para llevarla a vivir al inframundo, no pudo negarse. Pero con una condición. “No mires atrás hasta que no estéis fuera”. Y Orfeo así lo hizo o así lo intentaba.

EL RAPTO DE PROSERPÍNA

El rapto de Proserpina, 1636-37. Pedro Pablo Rubens. Madrid. Museo del Prado.
Este cuadro es de estilo barroco

Representativo cuadro del pintor barroco, de técnica perfecta adaptada a su enorme inspiración. Aquí se aleja de la tradición mítica que cuenta que Hades aparece procedente del infierno para raptar a su sobrina cuando estaba sola en una pradera. El pintor nos muestra a las diosas: Atenea en primer término, Hera y Ártemis detrás de ella, oponiéndose a la acción de Hades e intentando hacerle desistir o abandonar. El dios está a punto de alcanzar su carro, ayudado en su intento por dos pequeños cupidos. El carro por dos briosos o enérgicos corceles negros, cuyas riendas sostiene un cupido y el otro se dispone a azotarle con el látigo. En el suelo yace un cestillo de flores que la joven diosa estaba cogiendo cuando se vio sorprendida. La escena refleja movimiento y violencia. La composición en diagonal claramente reflejada en la figura de Perséfone y reforzada por la posición del cupido y la de los cuerpos de la diosa.

HERCULES FARNESIO

El Hércules Farnesio (Ercole Farnese) es una copia romana en mármol de comienzos del siglo III, obra del escultor ateniense Glicón, de la obra original en bronce creada por Lisipo en el siglo IV a. C. Se encontró en 1546 en las Termas de Caracalla, en Roma y en s
eguida pasó a formar parte de la colección de escultura clásica del cardenal Alejandro Farnesio, hijo del Papa Pablo III. Durante generaciones decoró el Palacio Farnesio, hasta que en 1787 fue trasladada a Nápoles, junto a toda la colección Farnesio, que se puede contemplar en el Museo Arqueológico Nacional.

La interpretación que hizo Lisipo del héroe quería reflejar estos aspectos de su naturaleza mortal y le otorgó un retrato que constituyó un modelo durante el resto de la antigüedad y fijó la imagen de Hércules en el imaginario europeo. De hecho, además de la copia de mármol colosal exhibida en Nápoles, se conocen dos estatuas más, una de bronce, copia helenística o romana, encontrada en Foligno y que se conserva en París en el Museo del Louvre, y una de mármol, probablemente griega o del periodo romano, que se puede contemplar en el museo de la antigua Ágora de Atenas.

La estatua representa al héroe fatigado al término de sus trabajos, que descansa apoyándose en su bastón. Sobre el bastón está la piel del León de Nemea, muerto por Heracles en uno de sus trabajos. Con la mano derecha, detrás de la espalda, el héroe aguanta las manzanas de oro del jardín de las Hespérides, que le aseguran la vida eterna. Pero en la figura se representa el cansancio del hombre. La masiva musculatura da la impresión de una potencia exhausta.

HÉRCULES Y LICAS

Hércules y Licas es un grupo escultórico de mármol del escultor Antonio Canova que ejecutó entre 1795 y 1815 y se encuentra en la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma.

En una de sus aventuras,Heracles que no había olvidado a Íole, levantó en armas a Tirinto (la fortaleza que había heredado de Anfitrión) y atacó a Ecalia. Mató al rey Éurito y a todos sus hijos y parientes y raptó a Íole. Para celebrar tan tamaña victoria dio un festín en el que sacrificó doce bueyes en honor a Zeus. Heracles encargó a Deyanira una túnica, pues la que llevaba estaba estropeadísima tras la lucha, y quería estar presentable en tal acontecimiento. Ésta, muerta de celos al pensar que su marido prefería a Íole, echó en la túnica la sangre de Neso, a la cual creía una pócima del amor. Sin embargo, la sangre del centauro resultó ser un veneno mortal de devastadores efectos. En cuanto el héroe se puso la túnica, notó que su piel se quemaba. Intentó quitársela, pero el veneno se había pegado a su piel. Creyéndolo el autor de la fechoría, cogió por los pies a Licas, el sirviente que le había traído la túnica por orden de Deyanira, y lo arrojó al mar. Cuando Deyanira se enteró de lo que realmente había hecho, se suicidó ahorcándose (otras versiones afirman que se apuñaló en el pecho). Sin embargo, el veneno no mató al héroe, pero le produjo tal dolor que él mismo pidió que lo mataran para terminar con su agonía.

En la obra se puede apreciar como el semidios, en un momento de rabia y dolor máximo, se arquea tensando todos sus músculos para arrojar por los aires al joven cuya constitución débil a penas le permite poner ningún tipo de resistencia. Ambas figuras forman un magnífico arco en tensión, con un perfecto estudio de la anatomía humana sobre todo en la figura de Hércules. Especial mención merece además el rostro de Licas, con un patente semblante de pánico. El joven trata de agarrarse a un pequeño altar que se sitúa justo detrás del héroe mientras que en el suelo vemos la piel del león, uno de los doce trabajos.

LAS COLUMNAS DE HÉRCULES

Según recoge el historiador y latinista francés Pierre Grimal en su Diccionario de mitología griega y romana, en el curso del viaje de regreso de Hércules a Grecia con su rebaño, tuvieron lugar la mayoría de las aventuras que se le atribuyen en el Mediterráneo Occidental. Entre ellas, el hecho de erigir dos columnas a ambos lados del estrecho de Gibraltar que separa África de Europa, en recuerdo de su paso por el reino de Tartesos  al sur de la Península Ibérica. El lugar elegido fue el Peñon de Gibraltar (Kalpe) para situar la columna norte, y en un montículo en la actual ciudad de Ceuta (Abila), justo al otro lado del estrecho, para la column
a sur. Hay que aclarar que fueron los romanos los que idearon la denominación de columnas de Hércules, pues los griegos, previamente, se referían al mismo hecho como estela de Heracles, tal como denominaban ellos al personaje. Y, los fenicios, antes que los griegos, se refirieron a ellas como Columnas de Melkart, divinidad de su ciudad de Tiro en el actual Líbano. Además, el templo que levantaron en Gadir, la moderna Cádiz, la ciudad fundada por ellos en el 1104 antes de J.C., levantaron un templo dedicado a su dios, con dos enormes columnas que flanqueaban su entrada.

Tras robar el ganado de Gerión(decimo trabajo).Heracles emprendió el viaje hacia la isla Eriteia. Mientras viajaba hacia allí, cruzó el desierto libio (Libia era el nombre genérico de África para los griegos) y quedó tan frustrado por el calor que se puso a dispararle flechas a Helios, el sol. Éste le rogó que parase, y Heracles pidió a cambio la copa dorada que el dios utilizaba para cruzar el mar cada noche, de oeste a este. El héroe usó esta copa para el viaje hacia Eriteia, pero encontró el paso cerrado por las rocas al terminarse el Mediterráneo. Heracles las apartó abriendo el estrecho de Gibraltar y poniendo como límites de éste las columnas de Hércules, situada la primera en el peñón de Gibraltar y la segunda en el monte Hacho de Ceuta, con una altitud de 204 metros (según otras versiones en el monte Musa de Marruecos, con una altitud de 851 m).

PERSEO CON LA CABEZA DE MEDUSA

Perseo con la cabeza de Medusa, también denominada el Perseo de Cellini, es una escultura realizada en bronce por Benvenuto Cellini. Es considerada una de las obras cumbre de la escultura manierista italiana y una de las estatuas más famosas de la Piazza della Signoria en Florencia, Italia.
La escultura es conformada por dos cuerpos humanos: un hombre de pie sobre un cuerpo femenino sin cabeza. El hombre se encuentra desnudo, tiene el cabello rizado y corto. Lleva una casco con alas sobre la cabeza. Su rostro enojado, mantiene una dirección recta hacia al suelo, de modo que el espectador situado ante ella, puede observar su cara. Su mano derecha porta una espada larga, mientras que la mano izquierda porta en lo alto la cabeza de la mujer que derrama sangre por el cuello. El cuerpo femenino, se encuentra desnudo y acostado con una posición contorsionada. Su ropa se encuentra debajo, entre su cuerpo y una superficie plana. Y de su torso también derrama sangre.
La escultura, representa a Perseo y Medusa; Perseo la acaba de decapitar con la espada que empuña en la mano derecha, mientras que con la mano izquierda, sostiene triunfante la cabeza de la Gorgona tomada por su cabellera.
En la nuca de la estatua, se puede observar un autorretrato de Cellini. El casco forma las cejas, la nariz y la forma de la cara, mientras que el pelo de la nuca de Perseo, es la barba de Cellini. El rostro de Medusa fue construido a partir del modelo del rostro de uno de los aprendices del autor.

EL OLIMPO.BATALLA DE LOS GIGANTES

El boceto para El Olimpo: batalla con los gigantes o La caída de los gigantes es un óleo sobre lienzo  pintado en 1764 por Francisco Bayeu como preparación para el fresco del techo de la antecámara del cuarto de los príncipes de Asturias del Palacio Real de Madrid.

Representa el ataque de los Gigantes al Olimpo, defendido por Júpiter y otros dioses: Marte, Minerva, Eolo, Saturno, Plutón, Rea, Proserpina, Neptuno y el semidiós Hércules. Tifón, caudillo de los gigantes, es abatido por un rayo de Júpiter, cae, y muere. Estos motivos están basados en pasajes de las obras literarias de Homero, Apolodoro, Ovidio y Virgilio.

La obra presenta influencias estilísticas de la composición y del cromatismo del tardobarroco napolitano de Corrado Giaquinto; y un riguroso tratamiento anatómico y agrupamientos de personajes inspirados por el neoclasicismo de Antonio Mengs.

Dibujo preparatorio de Marte, dios de la guerra, para La caída de los gigantes.
Esta gran obra mural pertenece a un conjunto de ciclos pictóricos que Mengs había delegado en el pintor aragonés para decorar el Palacio Real de Madrid, según un programa establecido por el ilustrado benedictino Martín Sarmiento, que debía exaltar a la Monarquía Hispánica.

SÍSIFO(TIZIANO)

Sísifo es un cuadro del pintor Tiziano, realizado entre 1548 y 1549, que se encuentra en el Museo del Prado. Forma parte de una serie de cuatro cuadros encargados a Tiziano por María de Austria,1 hermana de Carlos V, que debían decorar las paredes de su palacio y con el tema de Los Condenados o Las Furias, consistía en los denominados Ticio, Tántalo e Ixión, perdidos los dos últimos en el incendio del Alcázar de Madrid de 1734.

Sísifo era rey de Éfira (antiguo nombre de Corinto) y por revelar que Zeus había secuestrado a Egina, el dios griego le castigó en el Hades a hacer rodar con su cabeza y empujando una gran roca cuesta arriba, que continuamente se precipitaba hacia abajo.
Es un tema frecuentemente representado como metáfora del esfuerzo inútil del ser humano.
En una ladera empinada en medio del Hades, el legendario fundador de Corinto empuja con gran esfuerzo una pesada roca, que al llegar a la cima, caerá como consecuencia del castigo eterno al que le condenó Zeus por haberle traicionado.

HÉRCULES Y CANCERBERO

El autor de este cuadro es Francisco de Zurbarán ,tiene un estilo barroco español,y como no se encuentra en el mejor museo de España el Prado.
En esta imagen podemos observar a hércules intentando secuestrar a cancerbero el perro de tres cabezas y cola de serpiente. Cancerbero tenía una única orden que cumplir, tenía la misión de  que ningún muerto pudiera salir del infierno y que ninguna persona viva pudiera entrar en él.

Cancerbero, el perro de los Infiernos, era un monstruo de tres cabezas de las que manaba una repugnante baba; tenía cola de dragón de la que salían formas de serpientes. Sin más protección que su piel de león y sus flechas sin compañeros descendió a las mansiones de Plutón/ Hades. Vio a su amigo Teseo, a Meleagro, hermano de su esposa Deyanira; Hércules quiso recuperar a su amigo y traerlo al reino de los vivos, pero la tierra tembló al intentarlo. Plutón quiso impedirle la entrada; Hércules le disparó una flecha y le hirió en un hombro; el dios comprendió el sufrimiento humano y accedió a dejarle llevar a cabo su empresa con la condición de no emplear más que sus manos. Lo cogió por el cuello y logró reducirlo; al salir a la luz el can Cerbero, desacostumbrado a ello, empezó a echar baba, de la que brotó el acónito, planta venenosa. Cuando llevó el monstruo a su tío Euristeo, éste comprendió que no podría librarse del odiado hijo de Zeus. Hércules volvió al Hades a restituir el Cancerbero a su dueño.

ESCULTURA EL RAPTO DE PERSÉFONE

El rapto de Proserpina es una escultura realizada por el artista napolitano Gianni Lorenzo Bernini entre los años 1621 y 1622, perteneciente, por lo tanto, al Barroco inicial, que también podríamos identificar como el Manierismo. La obra es producto de una época en la que el arte todavía era un asunto privado, de poderosos privilegiados ligados a las mo
narquías la nobleza o a la Iglesia, quienes constituían el mecenazgo. Esta obra fue encargada al artista por el cardenal Scipione Borghese, quien se la cedió al Cardenal Ludovico Ludovisi en 1622 para que éste la llevara a su villa. Permaneció allí hasta 1908, cuando el Estado italiano la adquirió y la devolvió a la Galleria Borghese. Actualmente se halla situada en la villa del mismo nombre al norte de Roma, donde puede ser visitada junto a otras obras y conjuntos escultóricos del mismo artista.

La gran estatua de mármol compone un grupo escultórico que representa a Proserpina —Perséfone en la mitología griega— siendo raptada por Plutón —Hades—, hermano de Zeus y soberano de los infiernos. La composición es un ‘contraposto’ retorcido, que remite al manierismo, ya que el artista presta una especial atención a los detalles y adopta posturas rebuscadas, al tiempo que nos permite una observación simultánea del conjunto en una perfecta y armoniosa unidad de las partes, como exigiera el más puro clasicismo siguiendo el canon renacentista de imitación de los antiguos.

ORFEO Y EURÍDICE EN LOS INFIERNOS

El titulo del cuadro es Orfeo y Eurídice en los infiernos. El autor es  Fris,Pieter.

El mito cuenta que Eurídice llegó al infierno por la mordedura de una serpiente , poco después de casarse con Orfeo. Este dolorido por la pérdida de su esposa decide descender al reino de las sombras para buscarla y traerla de vuelta. Perséfone y Hades reinan el valle del infierno. A Perséfone le dio lastima Orfeo y por eso ,le permitieron sacarla de allí y devolverla a la vida a cambio de que no volviera la vista hacia atrás hasta haber salido del valle del Averno. Orfeo aceptó, pero justo antes de salir del Averno , se dió la vuelta , ya que pensaba que su esposa Eurídice ya no estaría detrás de el.. y vió como su esposa se alejaba de él de vuelta al Averno,porque no ha cumplido su promesa.

Nos encontramos con un cuadro oscuro en el que la luz se centra en Eurídice y Orfeo que se han encontrado en el Averno y están ante la presencia de Perséfone y Hades .En el primer plano, a la izquierda, la barca con los condenados avanza por el río Aqueronte (conducidos por Caronte) y estos eran transportado a tres reinos diferentes : Elíseos para los bendecidos, el Tártaro para los condenados, y el Hades para el resto.El fondo está poblado por condenados cumpliendo sus penas , sin rostros de expresión . Además podemos observar dos músicos al lado de Eurídice y Orfeo


La figura del ahorcado parece inspirada en Brujas haciendo magia de Salvator Rosa, pero la estructura compositiva la aproxima aún más a escenas de Filippo Napoletano (1589-1629) como Dante y Orfeo en el infierno (Florencia), Eneas y la sibila en el infierno (Roma), incluso al grabado de Jacques Callot (1592-1635).